My blueberry nights

CAROLINA CAMBRILS./ Madrid

Elisabeth (Norah Jones) vive un asfixiante desengaño amoroso que la encaminará hacia otras gentes y nuevas experiencias. Un día la joven descubre que su novio suele cenar en un café con otra mujer. Elisabeth, furiosa, decide abandonarlo. Le deja las llaves del apartamento que ambos compartían al chico que regenta el café, Jeremy (Jude Law), para que su exnovio las recoja. A partir de ese momento, la joven frcuentará el local, coincidiendo e intimando cada vez con el apuesto gerente.

Elisabeth, desalentada, no encuentra la forma de superar el golpe recibido. Por ese motivo decide marcharse de Nueva York durante una larga temporada y emprender un largo viaje por toda América. Es, para ella, la única forma de dejar atrás una vida de recuerdos. En su viaje a través del país, Elisabeth entabla amistad con otros cuyos anhelos y sufrimientos son mayores que los suyos. Entre ellos se encuentran David (un atormentado policía) y su mujer (Rachel), y una jugadora compulsiva con una cuenta que saldar (Natalie Portman).

A través de estas personas, Elisabeth descubre los verdaderos límites del vacío y la soledad. Comprende que el viaje que ha decidido emprender es también un viaje hacia su interior que la conducirá a descubrirse a sí misma.

De vuelta a Nueva York, las cosas han cambiado o, al menos, su forma de verlas. El dolor y la decepción se transforman en nuevas ilusiones cuyo hilo conductor será Jeremy, quien compartirá algo más que un café ocasional con la joven.

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Ficha técnica
Dirección: Wong Kar-Wai
País: Hong Kong, China y Francia
Año: 2007
Duración: 111 min
Género: Drama
Interpretación: Norah Jones (Elizabeth), Jude Law (Jeremy), David Strathairn (Arnie), Rachel Weisz (Sue Lynne), Natalie Portman (Leslie), Chan Marshall (Katjia)
Guión: Wong Kar-Wai y Lawrence Block; basado en un argumento de Wong Kar-Wai.
Producción: Wong Kar-Wai y Jacky Pang Yee Wah.
Música: Ry Cooder.

Los 39 escalones

CAROLINA CAMBRILS./ Madrid

“Los 39 escalones” es una ocurrente adaptación teatral que, en forma de parodia, evoca la famosa película de Hitchcock. Bajo la dirección de Eduardo Bazo, Gabino Diego y Patricia Conde intercambian el suspense y la intriga por los más agudos toques de humor. Ambos protagonizan la historia de un hombre que es acusado de un asesinato que no ha cometido. Las casualidades se van sucediendo y las circunstancias complicando de tal forma que los dos acaban burlando juntos a la justicia en una huída frenética y disparatada. Jorge de Juan y Diego Molero, interpretando un sinfín de papeles, acaban de poner la guinda a este pastel del humor.

Los pocos recursos escénicos con los que cuenta esta obra sea quizás el punto más original de la misma. La improvisación del mobiliario y cómo resuelven los actores tal carencia, pone al auditorio al borde de un ataque de risa. Se trata de una hora y media de oda al chiste y al humor.

'Los 39 escalones' se representa en el Teatro Maravillas de Madrid. Hasta el 18 de Enero. Puedes comprar tu entrada aquí.

Ficha técnica
Director: Eduardo Bazo
Género: Comedia
Autor: John Buchan's y Alfred Hitchcock
Intérpretes: Gabino Diego,Jorge de Juan,Diego Molero y Patricia Conde

Bella, pasión por la vida

Con un buen puñado de premios y la aceptación del público norteamericano que la llevó a encabezar el ranking de taquilla, “Bella” es un bello poema de amor a una mujer y a la vida en general. Su mirada está llena de luz y sentido positivo, y desde el inicio apuesta sin ambages por la persona como lo único importante y por la humanidad en las relaciones como cauce para lograr la felicidad buscada. Estamos ante una nueva road movie de dos seres con un pasado nada fácil, que han luchado por sobrevivir a la desgracia y que aún buscan su lugar en el mundo. En este sentido, Alejandro Monteverde tiene claro que debe estructurar la película de manera precisa entre el tiempo presente y el pretérito, esconder la herida de sus protagonistas y dosificar la información de la historia. Aunque no se apoye en el suspense ni en giros-trampa de guión, juega hábilmente la baza del sentimiento y alterna momentos de mucha emoción con otros de tono más dramático en su empeño por ganarse al espectador.

“Bella” no esconde sus cartas y por eso no duda en recurrir a abundantes primeros planos de José y de Nina en busca de su dolor profundo y de sus sueños rotos: la pasión por el fútbol o por el amor esquivo y el temor ante la fragilidad de la vida son las notas de esta pareja llamada a luchar en la soledad de su intimidad. En uno y otro, sus ojos reflejan tensión contenida y una pena largamente amortiguada, pero también la chispa de un hálito de vida que aún no se ha extinguido. José es un hombre sensible, bueno y acogedor, que volvió a nacer cuando abandonó el fútbol profesional –el soccer– para recluirse en la cocina del restaurante mexicano que su hermano Manny tiene en Nueva York. Desde entonces, vive en un silencio sereno y pacífico, centrado en ayudar a sus amigos y en reparar el daño causado. Nina es la joven camarera que es despedida del restaurante, justo cuando se entera de que está embarazada. Entre los dos nace un sentimiento de sintonía y acompañamiento que les empuja hasta la casa de los padres de José, a la orilla de un mar que se convierte en metáfora de la deseada libertad interior en contraposición a la cocina (aunque hay otros elementos con valor simbólico en la cinta, como la caracola, la cometa o la cazuela).

Sin duda, Monteverde quiere hacer un cine que llegue al espectador y que le mueva a mirar las dificultades como una manera de crecer y también de creer en la familia y en el amor. Por eso, incide en la necesidad de ganar en interioridad, en comprender y en confiar en la persona por encima de su rendimiento laboral u otras circunstancias –espléndida escena de disputa entre José y su hermano en la cocina, paradigma de justicia social–. Es también un canto a la vida y a la generosidad como forma de encontrar la paz con uno mismo, con unas bellas imágenes que abren y cierran la cinta de modo circular, y donde las heridas causadas al privar a una madre de su hij@ –son tres las madres afectadas– se alzan como leitmotiv de la historia.

La buena nueva, un melodrama histórico

CAROLINA CAMBRILS. /Madrid

“La buena nueva” es una historia de héroes, pero de esos que no aparecen en los libros de texto. Helena Taberna, que dirige con maestría este filme, adapta la autobiografía de un tío suyo, No me avergoncé del evangelio, para sacar del anonimato a un joven cura llamado Miguel. Éste es nombrado párroco de un pueblo socialista de Navarra poco antes de la sublevación de 1936.

El guión se embrolla cuando entran en contacto tres elementos que han causado tantas pasiones como odios: el amor, la guerra y la religión. Poco después del inicio de la contienda, el bando nacional se instala en el pueblo. A partir de ese momento, la opresión y los fusilamientos devendrán moneda común para los habitantes de esta pequeña localidad. Miguel, en su afán por combatir la injusticia y las represalias, gana enemigos en la Iglesia y en el Ejército, llegando a poner en peligro su propia vida.

Tanto drama y desencanto se verá mermado por los sentimientos que, en medio de la tormenta, surgen entre el cura y la maestra del pueblo, Margari. Juntos protagonizan una historia de amor prohibida que dará un toque de morbo y color a esta historia de muerte y penurias.

“La buena nueva” es, en definitiva, un melodrama que denuncia la alianza entre la Iglesia y los fascistas durante la Guerra Civil, la llamada “Santa Cruzada”. A lo largo de los tres años de conflicto armado, Miguel se percata de cómo el propio clero es capaz de enterrar el Evangelio para amparar la represión de los sublevados contra la población civil. El protagonista, junto a una fosa común, resume, de modo insuperable, el mensaje del flime: “Nadie puede devolverles la vida, pero podemos evitar que los maten otra vez con el olvido”.

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FICHA TÉCNICA

Directora: Helena Taberna
Guionistas: Helena Taberna y Andrés Martorell
Productor ejecutivo: Iker Ganuza
Director de fotografía: Gonzalo Berridi
Música: Ángel Illarramendi
Director de producción: Javier Arsuaga

Red de mentiras

CAROLINA CAMBRILS/ Madrid.

En la sociedad tecnocrática el dominio del armamento o la supremacía militar son inútiles. Hoy el poder es de los que controlan la información. Así lo corroboara “Red de mentiras”, un filme que se adentra en el mundo del espionaje mundial para evidenciar que el volumen de información es hogaño algo crucial. "La información es lo esencial" afirma el director de Red de Mentiras Ridley Scott "y eso significa que no puedes confiar en nadie, ni siquiera en tu mejor amigo. Baja la guardia un segundo y te estarán utilizando. Y si diriges una organización importante para la seguridad nacional, sin esa actitud serías débil y vulnerable. De eso se trata".

Quemar después de leer

CAROLINA CAMBRILS / Madrid.

“Quemar después de leer” es un drama inusual, desmedido y estrambótico. Una tragedia al estilo de los Coen en la que se suceden las más disparatadas escenas de humor para transmitir un mensaje siniestro. Se trata de una simbiosis perfecta entre géneros tan dispares como el thriller, el drama, o el cine de espías.

A través de un humor cínico e inteligente, este filme destapa el rostro más vil y rastrero de las ambiciones humanas. Este tono cómico salta a la luz en las primeras escenas de una historia que cuenta cómo Osborne Cox (John Malkovich) - un ex agente de la CIA que está escribiendo sus memorias ante el tedio que le produce su prematura jubilación-, desata inconscientemente una espiral de infortunios. El problema surge cuando la secretaria del abogado matrimonial de la mujer de Cox pierde un CD con información confidencial del ex agente de la CIA en un gimnasio. Allí es donde Linda Litzke (Francesc McDormand) y Chad Feldheimer (Brad Pitt) – dos trabajadores del centro- lo encontrarán e intentarán chantajear a Cox. A partir de ese momento se desencadenan un sinfín de encuentros y desencuentros entre los personajes que dan vida a esta disparatada comedia. Casualidades y sucesivas torpezas coinciden para, de forma cómica, dar pie a un desenlace desagarradoramente funesto a la par que sorprendente.

"Quemar después de leer" es mucho más que una película divertida repleta de situaciones memorables. Se trata de un guión engrasado hasta la última página que transmite sentimientos variopintos y en muchas ocasiones contrapuestos. Una vez más, Ethan y Joel han demostrado cómo se puede salir airoso de cualquier terreno sin renunciar a un estilo propio cargado de fuerza e inteligencia.

Así que compren sus entradas cuanto antes.

Ficha técnica:

Año: 2008

Duración: 96 min

País: Estados Unidos

Dirección: Hermanos Coen

Guión: Hermanos Coen, basado en la novela de Stansfield Turner

Música: Carter Burwell

Fotografía: Emmanuel Lubezki

Productora: Working Title Films

Los niños de Huang Shi

CAROLINA CAMBRILS / Madrid

Los Niños De Huang Shi es el filme más solidario de la semana. DeAplaneta – empresa catalana que se dedica a la distribución de películas cinematográficas- ha anunciado que el 1% de la recaudación total de la taquilla del fin de semana del estreno (el 31 de octubre) será donado dos ONG’s.

Las receptoras de las ayudas de DeAplaneta son Morning Tears y Adopchina, las cuales destinarán el dinero percibido a sus dos proyectos solidarios más ambiciosos: "Volver a Casa" y "Un puente hacia el amor".

Roger Spottiswoode – el director- se inspira en un caso real para contar la historia de un joven periodista que salvó a 60 niños chinos de la ocupación japonesa. George Hogg (Jonathan Rhys-Meyers) es un periodista dinámico y emprendedor que llega a China en los difíciles años 30. En aquel entonces el país está sufriendo la ocupación de las tropas del ejército nipón. Esta circunstancia provoca que Hogg tenga suyos el sinfín de embrollos que vive un país impregnado de caos y la anarquía. Sin embargo, con la ayuda del líder de la resistencia china, Jack Chen (Chow Yun Fat), consigue soslayar las circunstancias adversas y burlar a la muerte. En su huida se ve abocado a refugiarse en el orfanato de Huang Shi, en el que viven 60 menores de los que George quedará prendado.

A medida que el avance del ejército japonés se hace patente, el periodista empieza a temer por el bienestar del hospicio y de sus 60 inquilinos. Es por ello que decide embarcar a los pequeños en un viaje agotador por los parajes más áridos de una China inexorable. El hambre, las temperaturas extremas y las más lacerantes penurias harán que los protagonistas de esta historia experimenten los lados más amargos de la vida.

Los Niños De Huang Shi es una historia de valores, algo tópica, pero irresistiblemente encantadora. A ratos tórrida, a veces fría. Una amalgama conmovedora de las vivencias dulces y amargas de un grupo de niños que ni siquiera pueden comprender su propia tragedia.

Este es el tráiler de la película:

Ficha Técnica:

Dirección: Roger Spottiswoode.

Países: Australia, China y Alemania.

Año: 2008.

Duración: 125 min.

Género: Drama.

Interpretación: Jonathan Rhys Meyers (George Hogg), Radha Mitchell (Lee Pearson), Chow Yun Fat (Jack Chen), Michelle Yeoh (Madame Wang), David Wenham (Barnes), Guang Li (Shi Kai).

Guión: James MacManus y Jane Hawksley.

Producción: Arthur Cohn, Wieland Schulz-Keil, Peter Loehr, Jonathan Shteinman y Martin Hagemann.

Música: David Hirschfelder.

Fotografía: Zhao Xiaoding.

Montaje: Geoff Lamb.

Diseño de producción: Steven Jones-Evans.

Vestuario: Gao Wenyan y Kym Barrett.

Estreno en Australia: 3 Julio 2008.

Estreno en España: 31 Octubre 2008.

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'Los años desnudos' rememoran el destape

CAROLINA CAMBRILS / Madrid

La libertad en la España de 1975 no era más que un espejismo. Así lo refleja la historia de tres mujeres que, tras alcanzar su momento de gloria en el cine clasificado “S”, se percatan de que su fama es efímera e irreal.

Esta tragicomedia feminista hace un repaso, en un tono nada melancólico, al cine del destape. Ese cine que causó furor en la España de la transición y que fue capaz de revolucionar a un país ávido de libertad. Se trataba de películas cuyo guión seguía siempre el mismo hilo conductor: desnudar a las mujeres más bellas de la época. Bárbara Rey, Ágata Lys o María José Cantudo pusieron de manifiesto que la censura franquista había concluido. No obstante, el derrumbe de la represión franquista no se llevó consigo el machismo. Ya que, junto a estas mujeres de bandera, solían aparecer actores como Andrés Pajares o Fernando Esteso… ¿no es esto acaso un cierto tipo de discriminación?

Sandra (Candela Peña) es una cabaretera que, tras varios desengaños logra su gran oportunidad en el cine “S”. Eva (Mar Flores), una mujer de origen provinciano, es capaz de fascinar a un productor de cine e incluso convertirse en su esposa. Lina (Goya Toledo), consigue abrirse un hueco en la gran pantalla por su frescura y capacidad de seducción. Sin embargo, tras su fugaz incursión en un cine que únicamente anhelaba exhibir sus cuerpos para alardear de recién estrenada libertad, las tres actrices se ven abocadas a la desventura. Las drogas, la infelicidad o la decepción llenan el vacío que deja una fama utópica.

El resultado es sensible y carismático, aunque no brillante. Se trata de una película que divierte y emociona, a la vez que nos recuerda que enseñar las tetas no hace más libres a las mujeres. “Los años desnudos” pretende denunciar conciencias – porque de los otros desnudos se puede ir olvidando el espectador- y recalcar que España era y es una sociedad machista.

A continuación, el trailer de la película 'Los años desnudos:

Vicky y Cristina rinden tributo a Barcelona

CAROLINA CAMBRILS/ Madrid

Vicky Cristina Barcelona es una comedia fácil, de digestión ligera y sin complicaciones intelectuales. Entretiene sin sorprender y agrada sin deslumbrar. Es como si Woody Allen hiciera películas de primera y de segunda. Los filmes de la primera categoría marcan un punto y parte, eclipsan a la crítica y embaucan a los espectadores. Son pura genialidad en forma de fotogramas. Las películas de segunda, son pasatiempos ajenos a la brillantez del director neoyorkino.

El filme desarrolla la historia de dos turistas norteamericanas, Vicky (Rebecca Hall) y Cristina (Scarlett Johansson) que llegan a Barcelona para pasar sus vacaciones de verano. Encandiladas por la comida, la lengua y una bellísima ciudad condal – ante la pantalla se muestra resplandeciente, soberana- las dos amigas pasan los días estivales de forma rutinaria e incluso tediosa. Hasta que Juan Antonio (Javier Bardem), un pintor catalán, alocado y tan bohemio como era de esperar, coincide con ellas y da un toque de color a sus vacaciones.

Es entonces cuando la película deviene una enrevesada historia de tríos amorosos. Las dos jóvenes parecen caer rendidas ante un Bardem que hace de seductor a lo español: muy bronceado, tosco, grosero, con un inglés macarrónico y susurrando en castellano cada dos por tres. Encantos que también parecen interesar a su ex-mujer, María Elena (Penélope Cruz). Una mujer temperamental, que roza la histeria, y que complica todavía más, si cabe, la extraña relación sentimental que mantienen los protagonistas.

El humor de Vicky Cirstina Barcelona no es, por consiguiente, el que uno espera encontrar en una película de Woody Allen. No hay ironía desagarradota ni comicidad inteligente. Pese a ello, resulta imprescindible ver la película en versión original para percatarse de algunos chistes sobresalientes que se consiguen a través los cambios repentinos de idioma.

Para dar muestra de lo dicho, aquí va el trailer del último metraje de Allen:

'Las Troyanas' de Eurípides

CAROLINA CAMBRILS / Madrid

La historia de 'Las Troyanas' supone la amarga constatación de que el hombre no ha sido, ni será capaz, de reescribir su propia historia. De que la experiencia suele servir de poco. De que el hombre está irremediablemente abocado a engendrar sus propias tragedias. ¿Cómo se explica si no que una historia de guerras bárbaras siga estremeciendo auditorios enteros?

El texto de Eurípides se estrenó por primera vez en la primavera del año 415 a.C. Se trata de una historia de guerra, dolor y muerte. Una tragedia que narra la desesperación de las mujeres de Troya cuando su pueblo ha sido aniquilado por los griegos. Las antes reinas, esposas, madres y concubinas de Troya, aguardan ahora una vida de esclavitud y miseria. La desesperación y la rabia se apoderan pues de este grupo de mujeres a las que la guerra se lo ha arrebatado todo.

Mario Gas, el director de esta producción del Teatro Español, pone todo su arte y oficio para que el público haga suya esta acibarada tragedia. Y lo cierto es que, lo consigue. Quizás la imponente escenografía que propician las Naves del Matadero, tal vez un reparto deslumbrante o un diálogo lleno de fuerza, hacen posible que el público comprenda que 'Las Troyanas' es una historia de hoy. Que la guerra era, es y será siempre, dolor. Un dolor infringido por el hombre contra sí mismo. Un dolor que la historia no ha sabido difuminar.

Por otro lado, destaca la acertada interpretación que llevan a cabo los actores, capaces de llegar a un tono de tragedia adecuado, sin caer en el histrionismo ni la histeria. Es especialmente brillante la actuación de una sublime Gloria Muñoz quien, como la reina Hécuba, se enfrenta dignamente a su destrono y a pérdida de todo su reino. Sobresalen también Anna Ycobalzeta y Mia Esteve en los papelones de Casandra y Andrómaca.

A continuación un estracto de la representación de la obra: